宋朝的审美力，为什么可以领先世界一千年呢？

在深厚的物质财富和文化底蕴之上，无论诗词歌赋，还是字画瓷器，神韵形态都达到历史巅峰。论及生活的雅致和审美的品位，甚至千年之后也难望其项背。

现代生活节奏是如此很快，追逐世俗名利，流于行色匆匆。但你的生命不应一直「烽火扬州路」，只惦记「西北望，射天狼」。也应时常放慢脚步，体会「风箫声动，玉壶光转」的烂漫时光，从宋人那里，汲取雅致生活的智慧。

「宋代」如今已不再只是朝代的名称，而演变成了艺术史中一个独特的美学符号。

宋朝对美的感受和追求是自上而下的，宋徽宗就曾亲自编撰《宣和书谱》和《宣和画谱》，完整整理前世收藏的书法和绘画。

「穠芳依翠萼，焕烂一庭中，零露沾如醉，残霞照似融。丹青难下笔，造化独留功，舞蝶迷香径，翩翩逐晚风」。不由令人感叹，一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。

宋历代君王都崇尚「文治」。成熟的哲学思想，赋予宋代美学以强烈的人文精神，和至纯至雅的独特风貌，成就了中国传统审美的文化之源。

下面就从形而上的诗词歌赋、山水书法，过渡到形而下的器具用度，生活四艺，带你真正领略宋代，领先千年的极致审美和雅致生活。

1、宋|诗词歌赋

宋代借三百年昌运盛世，文人雅士烟云供养，或隐居山林，或旷游自然，将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。

宋词无疑是极美的：

既有「三秋桂子十里荷花」的西湖胜景；也有「宝马雕车香满路」的城市繁华。

既有「红酥手，黄滕酒」的甜蜜；也有「明月夜，短松冈」的悲伤。

既有「无可奈何花落去」的惆怅；也有「一蓑烟雨任平生」的旷达。

可以「一种相思，两处闲愁」，更可以「金戈铁马，气吞万里如虎」。

如果说唐代鼎盛的背景下，诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围。那么及至两宋，时代精神不在于建功立业，而在于现世人生，不强调世间万物，独在意个人心境，清雅的宋词随之兴盛。

最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子，后来就形成长短不齐的固定句式，对景物进行细致的描述，表达复杂的心境。

王国维在《人间词话》中言：「词以境界为最上」。

境界是什么？就是真景物和真感情。很多流传千古的好词，都是借助其它事物，委婉含蓄地传递情感，体现了某种胸怀和心境。

例如诗人韦庄，擅借美人来表达情感，通过写美人思离别，以此来哀悼唐朝的灭亡。

辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。比如，不直白地说要收复失地，而是十分巧妙地用「举头西北浮云，倚天万里须长剑」这样的词句表达。

无论是盛唐之音，还是宋词之意，其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。这正体现了李泽厚所言：「美是有意味的形式」。

如果说，境界的高低决定了词的格调，那么从唐诗到宋词审美趣味的变化，就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。

一生之中，少年才气发扬，遂为唐体；晚节思虑深沉，乃染宋调。宋词，作为文学的一大巅峰，大大拓宽了情感表达的分辨率。

2、宋|山水画卷

真正让中国传统绘画大放异彩，走向成熟并影响至今的辉煌时代，当属两宋。宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，艺术思潮活跃，作绘画品精湛。

从唐到宋美学发生质变。唐代绘画偏重人物，宋代则偏爱山水。唐酷爱大红青绿的鲜艳之色，宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。

宋朝绘画不仅仅是追求技术，更追求画中意境。少了矫饰之气，多了份自然平和。

这个时期山水画最大的发展是：哲学影响了山水画的技法。宋朝的哲学非常重视「格物」——认真仔细地观察事物，找出构成事物的道理。

「格物」精神运用于绘画，就是对于自然山川：岩石的质地、水流的波纹和树叶的季节等都研究的极为认真细致。

如北宋范宽的《溪山旅行图》，瀑布水流从高处激流而下，而下方却只是茫茫水汽，身临其境之感扑面而来。

再比如南宋马远的《水图卷》，用十二幅画，来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现，这都是格物的精神。

北宋初期秉承五代以来「大山大水」，无论高山林木还是江河湖海，都十分注重气势，或峰峦浑厚、势状雄强的「高远深山」，或烟林清旷、气象萧疏的「平远寒林」。

其中尤以「三家山水」李成、范宽、董源为代表。

「宋三家」对自然的理解各异其趣。《画鉴》云：「董源得山水之神气，李成得体貌，范宽得骨法，故三家照耀古今，而为百代师法」。

其中尤以范宽的代表作「溪山行旅图」最具代表性。高山肃穆庄严、矗立静止，而溪水却潺潺流动、动静结合，透出一种非凡的力量，层次丰富，墨色线条力道十足，给人以身临其境之感。

「溪山行旅图」中，人只是行于大山大水里极其微小的存在，宋人深谙，人生不过广袤宇宙中的匆匆过客，所以用「行旅」而非「旅行」。敬畏自然，留下谦卑。

至北宋中后期，不再单纯讲究线条气势，而更追求一种内在神韵，既精准描绘外在形象，又充分表达内在感情。写实性的全景式山水画发展到极致。

中间有继承唐青绿山水的王希孟和赵伯驹。

山水画至南宋有所变化，恢宏气势的山水不见，更多的是针对某个特定角度展开创作，讲求秀丽和工整。虽然少了雄浑，但小巧精致的气息扑面而来。

李唐、刘松年、马远、夏圭统称「南宋四大家」。

南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》，山水开始带有强烈的感情色彩，浓郁的浪漫主义情调，带动其后山水画的留白之风与文人诗意。

而马远、夏圭则以「残山剩水」闻名，独创的「角隅」发，以边角窥全貌，取舍剪裁，水墨留白，让画面保持一种清明和空灵，营造出「此时无声胜有声」的意境。

雄奇简淡的笔法，水墨苍劲的劈皴，坚实爽朗的浅染，意境清远，回味无穷，充分的体现了宋朝绘画的极简审美。

代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》；夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。

宋代理学倡导「格物致知」，即不试图以技艺感人，更不容流于滥情，而是以敬畏之心回应自然，在细节中体现对比之美，以理性的内省态度，追求近乎理想的真实。

走进宋画，用心体味，会被一种前所未有的美感所深深打动。

它温柔不失力量，内敛间或飘溢，和雅绝无燥气。它极尽物态之美，简洁却不简单，于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。

3、宋|笔墨书法

书法作为线条的艺术，是一个时代美学的集中体现。

宋代的书法跟水墨山水画一样，不再追求宏伟壮大，更专注于表达自我，追求平淡天真，空灵素雅的意境之美。

「宋人尚意」指宋朝书法追求意境，而不拘于法度。正如苏轼所言：「我书意造本无法，点画信手烦推求」。

宋人写字不似唐人般规规矩矩，而是自然随性。透过书法，可以看到书写之人或激动，或悲伤，或洒脱，或潇洒的真性情。

比如宋徽宗，作为被皇帝耽误的艺术家，字和画都堪称瑰宝。宋徽宗独创的「瘦金体」，如屈铁断金，锋芒毕露，将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。

宋代著名书法家「苏黄米蔡」，即苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄，合称「宋四家」。

其中黄庭坚比苏轼小八岁，非常欣赏苏轼的人品和才华，两人是至交。

苏轼的字略显宽扁，柔和温暖，黄庭坚就笑言是「石压蛤蟆」；黄庭坚的字相对细瘦，曲直相间，苏轼就打趣是「树梢挂蛇」。生动地体现了两人书法的特点。

苏轼年轻时字写的漂亮，43岁因乌台诗狱被抓，经欧阳修等极力抢救，才被贬黄州。黄州时期写了「赤壁赋」「念奴娇」、以及唯一留下的「寒食帖」。

「寒食帖」是人生跌了一个大跟头之后所做，苏轼已不在意所谓的美，而是一气呵成自然流畅。这是人生最高境界，「别人笑我太痴狂，我笑他人看不穿」。很多东西必须在生命不同阶段去领悟。

后来黄庭坚又在「寒食帖」上题词。两大书法家并列，诠释了宋人尚意的最高典范。宋代笔法豪放而谨严，变化多端而融合；瘦硬遒劲却又刚中有柔，至今仍是世界公认最高的品格和风格。

4、宋|官窑瓷器

宋代是瓷业发展史上的「黄金时代」，数量和质量都堪称一流，既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄的汝窑天青色，又有耀州窑青釉，景德镇青白瓷等等。

宋代窑口遍地开花，釉色千差万别。不同于唐三彩的鲜亮与张扬，更倾向内敛而清澈的质感，丝丝温润的暖色，观之身心安宁。

宋瓷与元瓷相比，多了分细腻；与明清瓷相比，又少了些柔媚。工艺精湛复杂，最后呈现出的效果却极其安静内敛，朴实无华。

宋人其实是用最简单的方、圆、素、朴、拙来表现质感和单纯，将美提升到极致。「雨过天晴云破处，者般颜色作将来」，就是宋人的至美追求，色调优雅，无与伦比。

犹如「大道至简」的意思，即摈弃外表的过度雕琢，而追求内在的本质之美，呈现出朴素中有内涵，简洁中有意味的至高境界。

正如苏轼用泉水比喻诗文，「绚烂之极归于平淡」，艺术也应超越简单的感官美，而上升到思想情感的境界，平淡而不枯寡。

这种「绚烂之极归于平淡」的美，在「北宋汝窑」和「南宋官窑」中体现的最为完美，含蓄冲淡的光彩细腻单纯，极致绚烂，又极致平淡。成就了瓷器审美的巅峰。

冰裂纹，本来是败笔、但宋人觉得里面有种沧桑美，经历时间后，叫开片，这是很特别的宋代美学。

素色无纹的天青色汝瓷，搭配若隐若现的冰裂纹，朴素得好似找不到欣赏焦点，但静心细观，会发现天青色的静谧配合着冰裂纹的灵动，动静结合，相得益彰，更有着器物有尽，而意境无穷的感染力。

宋人掌握了朴与拙、素与雅的完美结合，用特有的简洁造型和淡雅清新，诠释着对自然生灵的敏锐感悟力，阐述着中华文化的博大精深及艺术内涵。

从传世的梅花图、枯木山水画、冰裂纹青瓷、窑变釉瓷器来看，宋人试图让残缺变成欣赏的聚焦点，用朴、素、淡、雅、拙成就独特的审美情趣。

5、宋|风雅四艺

作为真正能担得起「风雅」二字的朝代，「宋代」是中国古代文明的高峰，甚至被西方誉为「东方的文艺复兴」。

宋代的文人士大夫们，追求隐逸生活，由隐逸文化自然兴起雅致的生活美学，并且在民间迅速流行。