郎郎,李云迪,和,理查德.克莱德曼,这3个人里谁的钢琴弹的更好??

那么你问的"好"的定义是什么呢 可以是指技术上的,风格上的等等 艺术包括音乐都是一种很主观的东西,就是青菜萝卜也各有所好 你认为好的我不必认为好的, 我认为不好的它未必是不好的

理查德克莱德曼 弹的是浪漫派的钢琴曲 他的作品, 如:梦中的婚礼 在钢琴技术上来讲是没有难度的 但是从他的作品受欢迎程度绝对不比古典音乐的差

郎朗跟李云迪两个都是着重在古典音乐方面,技术含量较高的演奏

而这两者的区别就是, 郎朗很喜欢把所有的作品都弹奏成他自己的风格 而郎朗的风格就是比较那个 -_- 我都不会形容了 "放得开"吧 反正我不喜欢

然而李云迪则很喜欢花很长时间专研在一个大师的作品,去琢磨出它原来的"味道"

　　**名：《等你说爱我》

　　导演：亚历山大·阿卡迪

　　主演：让·休士·安格 朱丽亚·玛哈维

　　相关分类：浪漫喜剧

　　地区：法国

　　语言：法语

　　色彩：彩色

　　年份：1994-1995

　　故事简介：这是一部充满法国情调的浪漫喜剧。

　　儿科医生史蒂芬在父亲开办的医院里工作。白天,面对天真可爱的小病人,史蒂芬一丝不苟地扮演着白衣天使的角色；夜晚,他却沉迷于赌博和女人,把自己的生活弄得一团槽。

　　这天晚上,史蒂芬在牌桌上一败涂地,女友苏菲来电要和他断绝关系,他正穷追不舍的黑美人金蒂丝也和他拜拜了。史蒂芬拿着一把牌追出门外,却发现这把牌能让他发财。史蒂芬果然时来运转,赢了一大笔钱,真是“情场失意,赌场得意”。

　　凌晨4点,浑身疲倦,醉眼昏花的史蒂芬独自走在回家的路上。恍惚间,他渴望发生一件什么事,或者遇见一个陌生人。

　　走进公寓楼,史蒂芬随手开灯,竟发现楼梯侧端坐着一个女孩，12岁的夏娃4岁时失去父亲，史蒂芬曾给予她的温暖使她在这8年里始终不能忘怀，为此她来找自己的“心上人”

　　那部片子的男主角是个医生。

　　小女孩从小学钢琴，但是得了一种罕见的脑血管病，经常会突然失忆，所以对自己很失望，害怕自己无法成为钢琴家。

　　一次学校旅行中她从火车上溜走，到了男主角所住的城市，在男主角所居住的公寓楼中，她躲在角落里，把自己的一只板鞋放在楼梯上，男主角捡了起来，小女孩好像说了段关于灰姑娘的话，两个人就认识了。

　　因为她不愿意回去，医生就让她住在家里，关于小女孩把以前跟男主交往的女人带到了家里的情节也有。

　　最后，小女孩的病治好了，她也被家人领回去了，临走她让医生等她长大。

　　后来女孩真的成为了钢琴家，并且在医生所在的城市开了演奏会，医生也知道，但是他怀疑女孩是否会遵守那个遥远的诺言。在演奏会结束的晚上，医生回家，看见楼梯上放了一只高跟鞋，然后回家发现女孩在等他。

钢琴课

细腻地展现维多利亚时代哑女深邃的情感世界

反映女性意识觉醒的佳作

导 演：简·坎皮恩

主 演：霍利·亨特

萨姆·奈尔

哈维·凯特尔

·第六十六届奥斯卡最佳女主角、最佳女配角等五项大奖

·第五十一届金球奖最佳女主角

·第四十六届戛纳**节金棕榈大奖

·第四十七届英国**学院奖最佳女演员奖

·第十九届恺撒**节最佳外国影片奖

《钢琴课》是新西兰著名女导演简·坎皮恩执导的以反映女性觉醒意识为出发点的一部影片，它讲述了一个凄美感人而又令人迷醉的爱情故事，其间描写的女性沉默的激情，表现人的内在的情欲冲动，优雅浪漫而又充满原始野性。在这里，音乐成为女主人公心声流露的寄托，她将她的生命与爱全部融化进她的琴声之中，世上惟有知音和爱她的人才能领悟。就艺术效果而言，影片达到了一种极致，它以钢琴为载体，使美妙的爱的音符成为沟通思想感情的媒介，把一个将音乐作为自己心灵寄托的哑**和一个外表粗俗而内心情感丰富的男子有机地结合在了一起。

导演简

厄尔·怀尔德

厄尔·怀尔德1915年出生于美国匹兹堡，住在俄亥俄州。怀尔德六岁进入匹兹堡音乐学校跟随沃克学习钢琴，后来分别向詹森、佩特里与多古劳学习，音乐风格深受霍夫曼、列文涅与拉赫曼尼诺夫的影响。1936年以前，怀尔德都在匹兹堡交响乐团担任键盘乐手，后来转到NBC交响乐团。

中文名：厄尔·怀尔德

外文名：EarlWild

国籍：美国

出生地：匹兹堡

出生日期：1915年

逝世日期：2010年1月23日

职业：钢琴家

主要成就：1997年获得格莱美奖

代表作品：《启示录》《青绿马》《斯蒂芬·福斯特度哈变奏曲》

生平经历

怀尔德1915年11月26日出生于美国匹兹堡，3岁时展现出惊人的音乐天赋，能够在钢琴上弹出父母在留声机上播放的歌剧序曲的主调。4岁时他开始学琴，12岁时拜师于尤金·达尔伯特和沙尔文卡的高徒塞尔莫·杨森（SelmarJansen）门下，成为李斯特的再传弟子。

后来他又跟随帕德雷夫斯基和佩特里（EgonPetri）的学生，由此成为费鲁奇奥·布索尼（FerruccioBusoni）的再传弟子。12岁时他在匹兹堡的电台转播音乐会中演奏。14岁时已经在匹兹堡交响乐团中演奏钢琴和钢片琴。15岁时他与德米特里·米特罗普洛斯指挥的明波利斯交响乐团合作李斯特第一钢琴协奏曲。

作为卡内基技术大学（现今的卡内基美隆大学）的音乐学生，怀尔德除了钢琴外也研习大提琴、低音提琴和长笛。1937年他加盟美国全国广播公司NBC担任驻团钢琴家，并在1939年成为在电视节目中独奏钢琴的第一人。1942年他与托斯卡尼尼以及NBC交响乐团合作了《蓝色狂想曲》供电台转播。二战期间他一度是美国海军军乐团的长笛手，也与海军乐团频繁亮相演奏钢琴协奏曲。战争期间他曾到白宫演出，并与当时的第一夫人埃莉诺·罗斯福开展美国巡演，每次在第一夫人的发言前弹奏美国国歌《星条旗飘扬》。

1944年复员后直到1968年，怀尔德加盟美国广播公司ABC担任驻团钢琴家、作曲兼指挥。在此期间他为ABC创作了大部头作品，复活节清唱剧《启示录》（1962），由威廉·刘易斯（WilliamLewis）撰写唱词。怀尔德的其他创作包括合唱作品《青绿马》（1976）以及为钢琴和乐队而作的《斯蒂芬·福斯特度哈变奏曲》（1992）。

在服务ABC期间怀尔德以独奏家的身份广泛巡演。他首演了保罗·克莱斯顿（PaulCreston）的钢琴协奏曲（1949）和马文·戴维·列维（MarvinDavidLevy）的第一钢琴协奏曲（1970）。与他广泛合作的音乐家包括指挥家霍伦斯坦（Horenstein）、小提琴家米沙·埃尔曼、奥斯卡·舒姆斯基（OscarShumsky）、歌唱家玛丽亚·卡拉斯、杰尼·图雷尔（JennieTourel）、罗伯特·梅里尔（RobertMerrill）、马里奥·兰扎（MarioLanza）、杨·皮尔斯（JanPeerce）和津卡·米兰诺夫（ZinkaMilanov）等。

1939年，怀尔德与双簧管演奏家罗伯特·布隆姆（RobertBloom）为RCA合作录制了一套亨德尔的奏鸣曲。

个人成就

怀尔德后来总共录制的唱片超过35款协奏曲录音，26款室内乐录音，囊括超过700首李斯特、肖邦、拉赫玛尼诺夫、贝多芬、勃拉姆斯、科普兰、格什温和德彪西的独奏作品。当然，还有不少怀尔德自己创作和改编的作品。

1997年以来，怀尔德的录音无论新发和再版均由自己的品牌IvoryClassics出版。1997年他凭借“厄尔·怀尔德：浪漫主义大师”获得格莱美奖。唱片中收录有他的九首作品以及亨德尔、巴赫、莫扎特、柴科夫斯基和圣-桑等作曲家的改编曲。

在教育方面，怀尔德在伊斯曼音乐学校、佩恩州立大学、俄亥俄州立大学、卡内基美隆大学、曼哈顿音乐学校和朱利亚音乐学校等处从事教职。

1986年，匈牙利政府向他颁发李斯特勋章，以表彰他为李斯特音乐作出的突出贡献。他的最后一场演出于2008年2月5日在洛杉矶的沃尔特·迪斯尼音乐厅举行。音乐会上他获得了由美国国家录音艺术与科学学院颁发的总统优质奖章。晚年，怀尔德致力于撰写自传。传记将由卡内基美隆出版社于2010年出版。

艺术生涯

独奏会

怀尔德选择的曲目是莫什科夫斯基版的华格纳《爱之死》(选自歌剧《崔斯坦与伊索德》)，不是一般人所熟即的李斯特改编版。有趣的是，莫什科夫斯基的乐谱出版时，上面还题有献给李斯特的字样。怀尔德在音乐会上半场还演奏三首拉赫曼尼诺夫极其优秀的孟德尔颂、林姆斯基一高沙可夫管弦乐改编曲，以及改编自克莱斯勒小提琴曲的作品。这三首曲子部是拉赫曼尼诺夫为自己而改编(通常当做安可曲)。从这些乐曲中可窥见拉赫曼尼诺夫个人化的作曲技法，特别是他改编自朋友、同事与伙伴克莱斯勒作品所流露出的乡愁情怀。

独奏会曲目还包括一首李斯特昔日对手塔尔贝格的作品。塔尔贝格不是根据歌剧里的某一曲调来改编(就像莫什科夫斯基的华格纳《伊索德的爱之死》)，而是从罗西尼歌剧里挑出三段主题，经过修改装饰后成为这首巧妙的歌剧《塞米拉蜜德》大幻想曲。塔尔贝格利用这种手法成功的改编过不少歌剧，收录的《唐巴斯瓜雷》幻想曲(录音室录音)就是另一个例子。

萧邦对于李斯特改编他六首波兰歌曲的意见已经无从得知。这些歌曲直到萧邦逝世前八年部没有出版，李斯特则是在1861年开始着手改编。在《我的欢乐》这首曲子里，李斯特的改编颇有萧邦的味道，令人好奇原曲的面貌不即为何。

改编乐曲

怀尔德自己也改编乐曲，而且无论在品质或数量上都很优秀，就像柴可夫斯基《天鹅湖》小天鹅之舞。怀尔德的改编相当淘气机敏，恰如其分的传达出乐曲的气质。

波兰作曲家与钢琴家舒尔兹--艾弗勒写过很多变奏曲、八度练习曲与钢琴曲，但是最著名的只有他改编自约翰．史特劳斯《美丽的蓝色多瑙河》的《阿拉贝斯克演奏曲》。更早的时候，陶西格也曾经把约翰．史特劳斯的圆舞曲改编成钢琴曲，舒尔兹--艾弗勒无疑是受到陶西格的影响。早年演奏这首曲子最著名的是约瑟夫．列文涅。可惜的是，列文涅在录音的时候有稍做删减；怀尔德在独奏会里则是演出完整的版本。

巴拉基列夫在1869年完成的炫技曲《伊斯拉美》是一首展现钢琴家扎实技巧的作品，而他根据葛令卡歌剧《为沙皇献身》改编的幻想曲则可视为《伊斯拉美》的前身。

1830年代，巴黎许多钢琴家都以沙龙为演出根据地，赫兹是其中最主要的钢琴家之一。他的《灰姑娘》主题变奏使用各种不同艰难的演奏技巧。

在维也纳的时候(第一次世界大战爆发前)，戈多夫斯基根据约翰·史特劳斯的圆舞曲写成《艺术家的生涯》交响变奏曲，把改编曲的概念带往史无前例的高峰。这首乐曲的结构成熟，和声美到令人沉醉。除此以外，戈多夫斯基还把史特劳斯的旋律与对位结合在一起。这首《艺术家的生涯》交响变奏曲有独特的力量，对于演奏家而言也是一大挑战。

收录的怀尔德改编自盖希文歌曲的《七首名家练习曲》。怀尔德早年以演出盖希文的钢琴与管弦乐曲闻名，他把这七首盖希文最著名的歌曲旋律巧妙的改编成兼具技巧与想象力的钢琴浪漫曲，砚今已经有许多钢琴家演奏怀尔德这部作品。

个人评价

怀尔德无疑应该被选入伟大钢琴家之林，但是专辑还不能完全代表他对改编曲的拥护，也无法听出他在过去三世纪其它原创的独奏曲、室内乐与协奏曲上的表现，然而，不费吹灰之力的技巧、智能与个人观点是他音乐的特点。

其他信息

长久以来，怀尔德的盖希文、柴可夫斯基与拉赫曼尼诺夫作品改编曲就一直吸引爱乐者的目光。虽然怀尔德以改编李斯特等浪漫派作曲家的作品闻名，但是他也录制过许多风格迥异的作品，如:亨德密特、梅诺第、亨策与梅特纳等。

1981年11月1日，怀尔德在纽约卡内基音乐厅演出历史上第一场全部改编曲的独奏会，怀尔德从在匹兹堡的学生时期就对这些正统钢琴曲目以外迷人有趣的「分枝」大感兴越，当时他的老师是詹森。詹森是卡伦纽、夏尔温卡与达贝特的学生，个人拥有大量手抄谱。「他常常让我看这些谱，如果我感兴趣，他会让我把谱带出去，」怀尔德在1989年接受拉宾诺维兹访问时表示：「当我自己开始改编管弦乐的时候，这些改编曲对我来说很有吸引力。我也把它们当成技巧练习曲，因为这些曲子都不很简单。我喜欢经常演奏改编曲，它们总会出现我必须克服的技巧问题，其它曲子则很少出现这种情形。当我六十五岁的时候，我决定全面朝这个方向发展，所以在卡内基音乐厅办了一场改编曲独奏会。当晚的听众包括不少知名音乐家--比平常还多，所以我很高兴能举办这样的音乐会。」

但是怀尔德也知道有不少严肃的听众与乐评人对于这种看法大感愤怒。「我知道自己在做什么，因为我已经为这个问题和不少乐评人做过激烈的争论。很多人认为这是个糟透了的错误，也有人认为它不能列入正统曲目里。通常做这些事以前，我都会打电话给朋友，告诉他们我未来可能会读到什么样的可怕文章(来反对我)。如果这些文章真的出现，反正事前我自己都已经说过一遍，它们对我的影响也不会太大。」

从这个角度出发，怀尔德与乐评人荀白克谈话时也提到:「我喜欢演奏改编曲，因为它让钢琴家有更多Z由空间，我也可以自己创作改编曲。它不像贝多芬奏鸣曲般已经有无法改变的固定概念，演奏改编曲的乐趣就在乐曲本身。」怀尔德形容改编曲是「好玩、有趣、多彩多姿，有丰富与各种不同的声音。现在，我想这样的曲目安排已经能在标准曲目之外也受到喜爱。」

怀尔德在1981年个人第一场音乐会排上一些已经被染上浪漫色彩的十八世纪作品，第一首是由李斯特的学生斯甘巴第改编自葛路克作品的《奥菲欧的歌调》。许多钢琴家，如:拉赫曼尼诺夫、列维茨基、诺瓦埃斯也录过这首如歌般的曲子，并经常在安可曲中演奏。「键盘佛佗」戈多夫斯基出版过十六首巴洛克时期大键琴改编曲，曲集标题是「文艺复兴」。在拉摩三首作品里，戈多夫斯基更进一步的加上对位与和声，创造出一首适合钢琴弹奏的珍品而且几乎和原曲间已经没有任何关联。巴哈为管风琴所写的《D小调触技曲与赋格》已经有太多钢琴改编版本，其中最普遍的是李斯特的学生陶西格与在梭尼改编版。同样是使用现代钢琴，两种版本以不同方法来表现管风琴的声音，而怀尔德认为陶西格版是「最优秀」的。

以演奏浪漫派曲目著称的美国作曲家兼钢琴家厄尔·怀尔德（EarlWild）于2010年1月23日在位于加利福尼亚的棕榈泉逝世，终年95岁。他与19世纪的伟大钢琴家都有师徒关系，并且是与约瑟夫·列文尼和阿图尔·鲁宾斯坦并驾齐驱的同辈钢琴大师。

怀尔德满头白发，演奏风格刚劲矫健，在舞台上演奏拉赫玛尼诺夫、帕德雷夫斯基和沙尔文（Scharwenka）的协奏曲时感染力十足。他的演奏乐感和力量兼备，即使在自己90多高龄时依然魅力不减当年。美国乐评家哈罗德·勋伯格在1981年为怀尔德立传时写道“浪漫主义曲目复兴的先驱者。在大多数钢琴家冷遇李斯特时以精诚专著带动了李斯特音乐的兴起。基于任何标准，怀尔德都是20世纪技巧最为出众的钢琴大师之一，拥有饱满和丰富的音响。”

原文章标题：RR·ART|鲍杨刘娃的响声试验：把响声变为园林景观

“令我激动的事儿是，先前歌曲对于我是十分一瞬间性的，音符即完毕。但在这个超大传统乐器里，响声的性命多了十几秒，如同某一我爱的人过得久一点，我能爱得久一点。

——鲍杨

7月，鲍杨和刘娃上海市区储油罐文化艺术中心展现了鲍杨的响声设备《超声物SOUNDMASS》，造就了一个场所特殊且无尽演化的响声园林景观，在高宽比视觉效果化的歌曲涡旋里，响声自身的物理属性被充足结构和变大，极为抑制又随时随地很有可能无法控制，好似用浪漫派的笔，叙述英雄史诗。

表演完毕后，《罗博报告》尤其访谈了鲍杨和刘娃，复原俩位艺术大师用响声构建的造型艺术园林景观，在这里园林景观内，乃至有更通感被开启。它的定义胆大，而它的无法控制则更迷人。

艺术大师：刘娃

艺术大师：鲍杨

_间的真空泵：10秒和1%

根据声音增强来通感天地万物，这一定义一直以来都盘桓在鲍杨脑中。歌曲的体会于他来讲是变幻莫测的具像存有，是光、是山、是气势磅礴的云丛，能够置身在其中，也可放置其上。碰到5号罐的情况下，这种当然的设计灵感汇聚成确立的意愿，工程建筑从而变为一件超大传统乐器。

针对“超声波物的定义，鲍杨和刘娃把它讲解为三个方面：最先是将储油罐变为超大传统乐器的全过程；次之是将响声实体化，根据表演和室内空间造成关联，让响声越来越实际，有层次感和颜色；除此之外“声物也是有“微生物的楷音，期待在开启电源开关的情况下，给响声引入活力，让它浮半空中、飙升然后下降，真真正正“救过来。

而在储油罐管理中心弹奏的鲍杨，事实上只有听见低于1%的电子琴声，最后有99%的响声是观众们来变奏和感受，就算是细微的偏移，都像蝴蝶效应一样更改这一超大传统乐器的声调，全部试验事实上是由当场的观众们来操纵，但鲍杨好像沉溺于这类无法控制感：

“我想想办法把细微的响声越来越强劲，按住钢琴键如同引燃导线，本质的点燃、歌曲的发生爆炸及其和响声一起造成的物品，是超出自己工作能力的。

他的会话中常常会发生那样让人略微惊讶的英勇，令他激动的恰好是这类不能预测分析，是响声在现场五六百人产生的映射点中间跑来跑去，慢慢栩栩如生并被授予颜色的体会。鲍杨把自己摆放在较低的部位，音箱和视觉效果也像汽车行使时倒退的城市街景，储油罐内全部的摆放“全是为了更好地提高响声的回音，把声源处放到储油罐的最好点，这是我的第一规定。

因而在展厅布置时，鲍杨和刘娃干了成千上万放置试验，而客观事实是，每提升一个自变量，先前的一切设想便会再度被打倒。她们再次放置音箱，学会放下电子琴机盖，持续试着并在试验全过程中掌握响声的物理属性。但表演时依然是即兴表演，周边的响声纷繁复杂，鲍杨演奏的一个音要间距几秒钟才可以被听到，有的回音乃至善于10秒，在捕获这下回音以前的几秒钟是真空泵的，是一个演奏员真真正正忘掉自身，用想像力、工作经验、判断能力创造物的_刻，但与此同时鲍杨又在将他脑海中里想像出的“以往的响声和从罐内反射面回家的“将来的响声，揉进持续基因变异的时下_刻里。这类时效性的信赖是令人激动的弹奏方法。

鲍杨在储油罐这一室内空间里再次诠释了莫扎特和菲利浦·格拉斯的歌曲。这俩位对他危害极深的音乐家，自身也暗含了鲍杨对此次试着的了解。莫扎特的复调音乐以前根据管风琴在十八世纪的主教堂造就了令人向往的室内空间；而英国极简风格音乐家菲利浦·格拉斯则根据持续的反复将一瞬间拓宽，与此同时又把较长的_间凝结成一个点，在巨大的_间变奏里，穿插着纽约市的地铁站、车辆和一切喧闹。隐隐约约能够窥探，鲍杨对歌曲的通感有一种纯天然的沉迷，但这类通感不止是五官的五感，还包含了空间和时间的通感。

当储油罐变成传统乐器，木地板、墙面、吊顶天花板都具有了发音作用，演出者务必乘势而上，将几百位观众们造成的一万种自变量都交汇处成自身的歌曲感受，去牵引带、释放出来、疏通和累加，并灵活应变。鲍杨会运用响声的延展性，和此外一个音弹在一起，在累加的节奏性里充足感受响声的随机性。

某种意义上说，当场在开展一场物理小实验。

这次试验的另一位研究者刘娃则要把自己的咽喉变为机械设备，对非器乐技术专业的演出者而言，在储油罐的自然环境里要彻底唱准第一个音并非易事，解决回音时就更为变大难度系数。刘娃必须清除实际中环境音的危害，致力于想像一个音，并且用咽喉体会它，持续在_有耳返的状况下分辨并学习培训解决自身的响声，舍弃要想操纵响声动向的想法，接纳自身的微不足道，和室内空间与自然环境创建同理心式的联接。

鲍杨把此次工作经验形容成末日赶到前一秒的欢乐，“在短暂性的_间真空泵里，先见到灼目地光，当响声换句话说_间抵达你，感受到自身微不足道的_刻，实际上早已告一段落，它是一种对摧毁的欢乐。

风滚草、向日葵和骆驼草

“有时必须离去一些间距，才可以分辨这种表述是否大家真真正正想表述的。

——鲍杨

鲍杨和刘娃协作的另一个著作《午夜魑魅》也是此次表演中很重要的一部分，不论是歌曲的节奏感、视觉效果展现或是歌曲歌词，都以一种艺术境界的语言表达，含蓄地表述了人和人之间的关联。风滚草、向日葵和骆驼草，是样版，也是观查行为主体。艺术大师根据声音增强，理性又疏远地再现了一场一万七千千米的远途。

《午夜魑魅》探讨的地址主要是不一样国家和地区核基地有关的地区，这种绿色植物因生长发育在此被人们授予了独特的实际意义与真实身份。鲍杨、刘娃长期和绿色植物日常生活在一起，以绿色植物的角度再次思考当然，体会不一样的味儿和感受。绿色植物的迁移性和侵入工作能力，促使它的真实身份在不一样国家和地区饰演不一样的人物角色。用绿色植物去消除文化艺术的界限是著作想表述的关键。

在旅途完毕以后，鲍杨并_有立即用时下的觉得去创作音乐，只是持续倒嚼旅游中得到的信息内容，迟缓地开展免费下载、解决和提炼出，这一全过程兼顾理性和感性的思索，而这类正好的陌生感，被鲍杨当作是对自身最诚信的表达形式。

在鲍杨和刘娃的往日历经中有一处关键点，鲍杨九岁便在朱莉亚音乐学校附属中学学弹钢琴，并在新英格兰音乐学校得到钢琴弹奏的大学本科和硕士；而刘娃则是先在耶鲁拿到了社会学与造型艺术第二学位，又在麻省理工大学修读造型艺术文化艺术与高新科技。也许恰好是这类历经铸就了鲍杨的理性和刘娃的辨证，也因而拥有112的实际效果。而她们相互之间打开了另一方的双眼和耳朵里面，感受到多方位通感的感受，在感受的全过程上都极其英勇地挑选了舍弃本身的优越感，尝试追求完美一种流动性的艺术美。

鲍杨觉得，最令艺术大师激动的著作并不是固体的，只是在始终流动性的。造型艺术问世于人日常生活在自然界中的感受和感受。人是高过造型艺术的。

在这里永恒不变的流动性中，如同刘娃常说，“它不会再被困于线形的_间，而只存有于此时此处，只存有于每一个不能预测分析的_间切成片当中。

《午夜魑魅》的原创歌曲

由鲍杨词曲创作弹奏、刘娃和鲍杨歌唱。

在中国、外各种音乐网站检索

“YangBao或“LateNightSavage就可以赏析。

发文访谈/CHENGCHENG

照片/受访者给予

编写/LINAN

互联网媒体实行/MENG

责编/LENNY

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